Blog dedicado a temas de educación por el arte, asuntos de interes, etc. tiene como finalidad orientar la construcción , elaboración y desarrollo de una metodología apropiada
Bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente objetos cotidianos que pueden ser naturales (animales de caza, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio artificial determinado.
Estas obras de arte Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón dan al artista más libertad de acción en la colocación de elementos de diseño dentro de una composición que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos.
Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban.
En 1596 Caravaggio pintaba el que se consideraba el primer bodegón de la historia del género. El precursor en España de este tipo de pintura es Juan Sánchez Cotán, y con él Zurbarán y Velázquez. Los tres tratan el objeto con un realismo extremo.
Del latín perspectiva, y del verbo perspicere, "ver a través de".
Podríamos definir perspectiva como la forma de representar objetos tridimensionales en una superficie plana, bidimensional, para recrear la profundidad y la posición.
Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie de dos dimensiones.
La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad.
La línea de horizonte siempre queda a la altura de nuestros ojos. Si estamos de pies y nos sentamos o seguimos descendiendo, veremos que la línea de horizonte se desplaza con nosotros en igual medida.
Algunos tipos de perspectiva son:
Perspectiva Paralela: Consiste en que las líneas paralelas que van de más cerca a más lejos, convergen en un punto de fuga, lo que crea una ilusión de profundidad.
Perspectiva Oblicua:Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto, los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte
Perspectiva Aérea: Se llama aérea cuando el horizonte esta muy alto o muy bajo, las líneas verticales se alteran por la perspectiva y se necesita un tercer punto de fuga localizado en una línea de horizonte.
Perspectiva Invertida:En la perspectiva invertida el punto de fuga está situado adelante, al exterior del cuadro.
Formas de Composición ¿Qué es componer?
La composición esta integrada por elementos plásticos, que al igual a los principios compositivos (la regla de las composiciones, variedad dentro de la unidad, equilibrio, proporción, armonía) deben tenerse en cuenta para componer una obra artístico plástica, y a la vez realizar una apreciación critica.
Toda obra tiene un esquema al ordenar o disponer las figuras en la composición pueden ser de acuerdo al tema, o simplemente porque así prefieren expresar sus obras artísticas. Los pintores recurren a formas simétricas, circulares, triangulares, rectangulares, cuadradas, ovaladas, etc. Así también en formas de letras L, Y, C, etc.
Es uno de los elementos más importantes en las artes visuales. Su utilización en la pintura es de primer orden, la escencia de la pintura.
Circulo cromático, nos sirve para observar la organización básica y la interrelación de los colores y así podemos seleccionar el color que nos parezca adecuada a nuestro diseño
En este círculo cromático podemos encontrar:
Los colores primarios: rojo, azul y amarillo;
Los secundarios: verde, violeta y naranja;
Los terciarios: rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo.
La cualidad tonal de los colores
Valor: Es la intensidad luminosa del color.
tenemos cuatro posibilidades de mezclar pigmentos para controlar el valor de los tonos.
Tinte-Matiz:Son las características cromáticas del color.
El principio sobre el que descansa el matiz, se denomina mezcla sustractiva.
Intensidad (Saturación):Es la intensidad cromática del color.
Es el grado de pureza de tinte que puede reflejar una superficie.
El Color en el Arte
Los impresionistas y después los post-impresionistas se interesaron especialmente por el uso del color.
Los fauvistas Matisse, Derain, Vlaminck se caracterizaron por el uso del color estrictamente.
El color se independiza del objeto y podemos ver caballos azules, rostros verdes, o mares rojos.
El color puede llegar a ser también un elemento muy importante en las representaciones escultóricas o instalaciones.
Pintura Impresionista, Post-Impresionista y Neoimpresionista
Édouard Manet
Alfred Sisley
Camille Pissarro
Claude Monet
Pierre Auguste Renoir
Edgar Degas
Henri de Toulouse-Lautrec
Paul Cézanne
Paul Signac
Eugène Henri Paul Gauguin
Van Gogh
Descubriendo los Sonidos En estos capítulos Descubriendo sonidos, tiene como fin orientar la comprensión musical a través de la apreciación musical auditiva, Musizón va descubriendo sonidos: fuertes y débiles, largos y cortos, rápidos y lentos.
Descubriendo los Sonidos. Capítulo I.
Musizón y el sonido.
Musizón nos va descubriendo que sus diferentes juguetes tienen sonido, pero la vaca Valentina vino a interrumpir haciendo mucho ruído. Cuando por fin vuelve el silencio Musizón nos mostrará su flauta travesera e interpretará la Badineri de Bach.
Descubriendo los Sonidos. Capítulo II.
Los sonidos fuertes y débiles.
¿Jugamos a hacer sonidos fuertes y flojos mientras llamamos a una puerta?. Musizón no es capaz de hacer sonar la puerta todo lo fuerte que Eva quiere … pero de repente… ¿Quién será el que golpea tan fuerte? ¿Por qué se esconde Musizón?.
Las dinámicas constituyen una herramienta poderosa e indispensable para el docente, motivan la participación del alumno y le permiten aprender a través de la experiencia personal.
Este tipo de dinámicas permiten la acción y desarrollo del grupo, siguiendo un objetivo determinado. Ahora bien es necesario qué dinámica es la apropiada para trabajar con cada grupo (según sus características) y para cada circunstancia.
Las principales motivaciones que nos llevan a utilizar una técnica adecuada al grupo que animamos pueden ser:
Para crear confianza y lograr un buen clima de interrelaciones entre los miembros del grupo (equilibrio socio-emocional)
Para establecer la cooperación, haciendo saber a los miembros del grupo el valor del trabajo en grupo.
Para la etapa de eficiencia, es decir, para lograr mayor productividad en el logro de los objetivos propuestos.
Para estructurar, organizar y realizar las tareas, tomar decisiones...etc.
Para motivar la tarea e interesar al grupo en el trabajo que han de realizar.
Para resolver situaciones de conflicto, planteando críticas constructivas respecto al problema y aportando soluciones.
Para evaluar la propia marcha del grupo, situaciones o temas desarrollados.
Escuela de Arte Escuela Superior de Formación Artística Pública “Carlos Baca Flor”
Esta gran prestigiosa Institución del arte: Escuela Superior de Formación Artística Pública “Carlos Baca Flor” lleva por nombre al ilustre pintor Carlos Baca Flor, mollendino de nacimiento, fue fundada el 8 de abril de 1951(D.S.N° 37-85-ED) con la facultad de formar artistas profesionales en las diferentes especialidades de las artes plásticas y docentes en Educación Artística para los diferentes niveles y modalidades educativas de acuerdo a la ley general de educación, otorgando títulos a nombre de la nación.
Admisión 2012
Carreras profesionales:
1.- ARTISTA PROFESIONAL en PINTURA
2.- ARTISTA PROFESIONAL en ESCULTURA
3.- PROFESOR DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA
Duración: 5 años
TITULO A NOMBRE DE LA NACIÓN
FECHA DE EXAMEN: 10 DE MARZO 2012
INGRESO ORDINARIO – EXÁMENES:
Prueba de conocimientos
Aptitud artística
Entrevista personal
PARA LA INSCRIPCIÓN
Ficha de inscripción debidamente llenada dirigida al Señor Director General, indicando la especialidad a la que postula.
3 fotografías recientes tamaño carnet.
Copia fotostática del DNI
Partida de nacimiento original.
Certificado de estudios secundarios completos originales visados por la UGEL correspondiente. Para los profesionales certificado de estudios superiores originales y copia de su título profesional debidamente autenticado.
Constancia original expedida por la Institución Educativa para la modalidad de ingreso por exoneración (de ser el caso)
Una de las danzas más impresionantes del Ande Peruano, Danza ritual de la sierra, se convirtió en una danza festiva es una manifestación y expresión cultural y tradicional a través del baile originaria de la región de Ayacucho en Perú, cuyo marco musical es provisto por violín y arpa. Actualmente las regiones de mayor difusión de esta danza son: Huancavelica, Ayacucho, Junín, Apurímac y Lima.
Los campesinos la llamaban «Supaypa Wasin Tusuq»: el danzante en la casa del diablo. Se atribuye a José María Arguedas la generalización del término «danzante de tijeras» por las tijeras que los danzantes llevan en la mano derecha y que las entrechocan mientras bailan.
Danza de las Tijeras El Instituto Nacional de Cultura del Perú la reconoció como Patrimonio Cultural de la Nación en el año 1995. El 16 de noviembre de 2010 fue reconocida por la Unesco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por su antigüedad y valor simbólico.
Elementos Morfológicos
Elementos de expresión gráfica y oral
Se distinguen los siguientes elementos:
PUNTO, indica posición. Es el principio y el fin de una línea y es donde dos líneas se encuentran o se cruzan. En el lenguaje gráfico podemos definir el punto como el más elemental de los signos gráficos. El punto es la unidad mínima de información visual, y está caracterizado por su forma, tamaño, color y ubicación.
Clima Gris Seurat 1888
El Puntillismo es un estilo de pintura, aparece por primera vez en 1883, encabezado por el pintor neoimpresionista Georges Seurat, y contando entre sus seguidores más fieles tales como Henri Edmond Cross y Vlaho Bukovac. El procedimiento empleado por estos artistas, consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela, fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas.
LINEA, cunado un punto se mueve su recorrido se transforma en una línea, la línea tiene largo y ancho, tiene posición y dirección. Esta limitada por puntos según sea la trayectoria obtendremos líneas rectas, curvas, abiertas, cerradas, quebradas, mixtas, onduladas, etc.
Piet Mondrian, rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que in lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos.
La aplicación de sus teorías lo condujo a realizar obras como Composición en rojo, azul y amarillo (1937-1942), en la que la pintura compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un efecto monumental a pesar de la escasez de los medios voluntariamente limitados que emplea.
PLANO, cuando consideramos el plano como soporte donde realizamos la obra gráfica, empezamos dándole unos límites determinados que pueden variar desde las medidas de una simple hoja de un papel hasta las dimensiones grandiosas de un mural.
De esta forma, mediante las dimensiones que damos al plano, creamos un espacio cuyas medidas y formas influyen en el efecto final de nuestro trabajo.
PLANO el recorrido de una línea se convierte en un plano. Define los limites extremos de un volumen, ya que el plano representa su superficie, el plano es bidimensional el espacio así construido puede adoptar diferentes formas geométricas y puede estar dispuesto en diferentes posiciones de esta manera cualquier forma compleja puede ser representada en un espacio plano mediante la reproducción de los planos que la integran.
TEXTURA, se refiere a las cercanías en la superficie de una forma, puede ser plana o decorada, suave o rugosa y puede atraer tanto el sentido del tacto como a la vista. La textura esta relacionada con la composición de una sustancia a través de variaciones diminutas en la superficie del material, y se consigue en una composición gráfica mediante la repetición de luces y sombras o de motivos iguales o similares.
VOLUMEN, el recorrido de un plano en movimiento se convierte en un volumen, tiene un aposición en el espacio y esta limitado por planos. Es un diseño bidimensional, el volumen es ilusorio.
Todas las formas lisas pueden convertirse en formas tridimensionales en el espacio ilusorio, con la sugestión de un grosor lo que solo requiere perspectivas suplementarias agregadas a la frontal
Los Elementos Básicos del Lenguaje Plástico
El Punto, La Línea, El Plano y Las Textura
La Línea como elemento expresivoEl elemento gráfico más simple del lenguaje visual es el punto. Un punto que se desplaza en una u otra dirección describe una linea y, según sea la dirección con que se mueva, producirá distintos tipos de líneas: verticales, horizontales, inclinadas, curvas, onduladas, espirales y quebradas. La línea es junto con el punto, el plano, la textura y el color, uno de los elementos basicos del lenguaje visual.El punto es el elemento más sencillo y es muy importante en la expresión plástica, en las artes gráficas y en la imagen digital.
A partir del punto, cuyo movimiento, en el plano permite la línea y esta a su vez, origina l aforma en una superficie, analizaremos dichos conceptos clasificados.
La línea es las artes plasticas, es un instrumento de gran versatilidad, adopta gran variedad de formas, colores, texturas.
Los títeres, también conocidos como marionetas, son muñecos o figuras que el humano dota de movimiento y vida con sus manos. Se utilizan para realizar funciones teatrales con el fin de representar seres humanos, animales, personajes o cosas. Existen diversos tipos de títeres que han sido utilizados desde tiempos muy lejanos por la gran mayoría de las civilizaciones para exponer ideas y conocimientos en la sociedad.
La historia de los títeres se remonta al siglo V a.C. cuando Jenofonte los nombra en su Symposium. Pero el antecedente más certero es la existencia de ellos en las antiguas culturas de Egipto, Grecia, China y otras regiones asiáticas.
Java (actualmente una isla que pertenece a Indonesia) es el lugar donde se originan los títeres de varas que eran utilizados para representar cuentos folklóricos.
En el teatro de Bunraku japonés se utilizaban títeres que alcanzaban la mitad del tamaño humano y eran manipulados por tres personas a través de cables y palancas.
Desde siempre las obras de títeres han representado una historia que es narrada para describir las acciones y en ocasiones acompañada por bandas orquestas musicales.
A partir del siglo XVI nacieron famosos títeres basados en personajes nacionales y que representaban comedias bufonescas. Entre los siglos XVIII y XX inclusive los festivales de títeres eran muy comunes y se tornaron muy populares.
En la actualidad los títeres parecen haber quedado relegados a ser únicamente un entretenimiento para niños y con el avance de la tecnología se los incorporó al medio televisivo, donde han tenido un éxito importante. Jim Henson, el famoso titiritero norteamericano, fue el encargado de crear Plaza Sésamo y Los Muppets y Spitting Image.
Tipos de títeres
Existen varios tipos de títeres, siendo las marionetas un subgrupo de éstos. Estos grupos se diferencian o clasifican de acuerdo al método o técnica que se emplea para manipularlos y construirlos.
La palabra pantomima viene del griego pantónimos, que significa: el que imita todo. El origen de la pantomima se encuentra en las dionisíacas, donde el lenguaje corporal era el instrumento de representación por excelencia. Posteriormente, la moral fue imponiendo la palabra sobre el gesto, ocultando los ritos de ménades y sátiros, que dejaron de ser explícitos, para recrearse por medio de la abstracción y la intelectualidad sobre el escenario. Es entonces que el teatro griego pone la palabra como elemento primordial, desplazando a un segundo lugar los movimientos escénicos que se redujeron al mínimo. Pero esto ocurría a nivel culto, en los teatros.
En las plazas, el vulgo asistía a representaciones de mimos (actores), en obras de carácter realista, representando escenas de la vida cotidiana y marginal, pero sin el uso del lenguaje oral.
En Roma, el mimo se convirtió en pantomima. Existen relatos sobre un actor griego esclavizado por los romanos, Livíus Andrónicus, que actuaba en espacios al aire libre, y durante una representación perdió la voz, con lo cual tuvo que pedir a uno de los coreutas, para que recitara su parlamento, mientras él fingía la representación. El éxito obtenido por tal experiencia, motivó que se repitiera posteriormente de manera voluntaria.
Como los romanos, a diferencia de los griegos, rendían culto al cuerpo y no a la mente, el actor pudo cobrar importancia en las representaciones escénicas. Con la costumbre de emplear un declamador para recitar el parlamento, el actor se concentró en lo gestual, terminando por suprimir la palabra, para recurrir exclusivamente a la mímica. Esto llevó a emplear un lenguaje corporal diferente el cotidiano, hasta lograr un nivel técnico, que permitió que la pantomima se convirtiera en el género teatral más importante del Imperio Romano.
Es conocida la rivalidad que existía entre poetas y mimos en la antigua Roma, hasta el punto que Cicerón, desafió a Roscio, un actor contemporáneo, a que tradujera sus palabras a gestos, lo cual hizo con perfección. Posteriormente, el auge de este arte se fue diluyendo.
En Italia a mediados del siglo XVI, tuvo un resurgimiento con la Commedia dell’arte. Para finales de siglo, algunos actores de esta Commedia, fueron llamados por Enrique III de Francia, por encargo de su madre, Catalina de Medicis, pero fueron expulsados del país en 1697, debido a las libertades en que incurrieron al interpretar sus obras. Pero esta modalidad ya se había instalado a nivel popular, donde se afincó el personaje de “Pedrolino”, que Debureau recreó, y posteriormente se convertiría en “Pierrot”.
La historia de la danza se encuentra fuertemente vinculada con las primeras civilizaciones que se formaron, siendo sus inicios prácticamente los mismos y reconocida como una de las primeras artes.
Los movimientos y el baile es algo natural de todos los seres humanos, más allá que hay personas que llevan el ritmo mejor que otras, todos poseemos un sentido de las acciones corporales y esto sucede desde tiempos remotos.
Los primeros registros existentes de la historia de la danza tienen más de 10.000 años de antigüedad, habiendo antiquísimas esculturas y tallados en piedra que demuestran su existencia y sus prácticas.
Es una expresión tan primitiva como la conformación de las primeras sociedades tribales, donde la danza formaba parte de los rituales para la caza y la supervivencia.
La evolución y la historia de la danza
La historia de la danza y sus inicios se relaciona con los egipcios, donde incluso dentro de varias pirámides se encuentran dibujos de diferentes rituales y acciones vinculadas con los bailes que se realizaban.
Los griegos y los romanos tomaron estas danzas de Egipto y las adoptaron como rituales festivos para los dioses, sobre todo para Dionisio, dios del vino y la embriaguez.
La danza se fue perfeccionando con el paso de los siglos y en la Edad Media se fue
diversificando y adoptando nuevas formas estéticas, de movimientos y ritmos.
Durante el renacimiento se generaron nuevas danzas que fueron prohibidas por parte de la iglesia
por considerarse ofensivas, tal fue el caso de la llamada “danza de la muerte”.
La historia de la danza de la muerte cuenta que fue creada para combatir la “peste negra”, la cual en esa época era una de las grandes plagas que mataba a millones de personas.
Este particular baile tenía la intención de quitar la enfermedad del cuerpo a través de movimientos grotescos y fuertes gritos.
El renacimiento es uno de los grandes momentos dentro de la historia de la danza, ya que en esa época se comienza a practicar el ballet y aparecen sus primeras expresiones depuradas.
El ballet es la combinación de las expresiones terrenales con las espirituales, donde las bailarinas demuestran toda su belleza a través de los movimientos finos y seductores, siendo la expresión más sutil conocida hasta ese entonces.
La historia de la danza contemporánea está más vinculada con la expresión de libertad de movimientos, los que trae implícito la libertad de pensamiento y las máximas libertades que puede añorar un ser humano.
Dentro del baile contemporáneo se expresan todos los sentimientos de la humanidad a través del cuerpo, siendo válidas una mayor cantidad de expresiones artísticas que no eran apreciadas.
Estas nuevas vertientes incluyen una mayor cantidad de pasos de baile, mayor contacto entre los bailarines, depuramiento de técnicas, nuevas coreografías más arriesgadas, vestimenta diferente y en general se baila con los pies descalzos.
Para comenzar a obtener un buen tono de voz, es básico iniciar por entrenar la respiración, ya que es parte fundamental para otros tipos de ejercicio.
Lo único que se debe hacer es tomar todo el aire posible, para después dejarlo salir lentamente mientras pronunciamos las vocales; claro esta, una vocal por cada bocanada de aire.
Al levantarnos y antes de acostarnos se recomienda abrir la boca lo más que se pueda y mantenerla así durante unos 15 segundos, pues esto permitirá obtener una mayor vocalización y elongación de los músculos bucales.
Es muy recomendable realizar lo que llamamos la lectura silábica, la cual consiste en leer separando las silabas y abriendo la boca exageradamente, a fin de controlar la respiración durante la pronunciación de cualquier oración y/o palabra.
Así parezca algo extraño realizar ejercicios aeróbicos, pueden contribuir a obtener una excelente voz, puesto que estos contribuyen a manejar la respiración sobresalientemente.
Otro muy recomendado ejercicio, es abrir la boca lo máximo que se pueda y al mismo tiempo pronunciar una vocal por vez; aunque al principio este ejercicio puede causar cierto dolor a los lados de la boca, después de acostumbrarnos al mismo, este puede contribuir bastante a mejorar la importante entonación.
Es bueno hacer ejercicios de exigencia bucal; un buen ejemplo es comenzar a pronunciar una vocal suavemente, llagando al limite aumentando el tono de la voz progresivamente.
Un buen actor no es aquel que aprende de memoria un texto, obedece por completo al director y habla con intención. Es aquel que comprende la identidad de su personaje y aprovecha esta identidad para “REACCIONAR” a los estímulos de otros personajes en la escena:
Debes soltarte cuando actúas. Es decir, a veces actuamos como “actores” vanidosos y egocéntricos cuyo único objetivo es lucirnos, dejar que nos miren y hasta admirarnos nosotros mismos frente a lo “bueno que somos en el escenario. Esta actictud provoca dos grandes problemas: el primero es que hacemos todo lo que esté a nuestro alcance para atraer la atención del público. El segundo es que al mirarnos demasiado a nosotros mismos perdemos de vista nuestro papel, lo que está sucediendo en la obra y todas las circunstancias que rodean a nuestro personaje.
Un buen actor tiene claro quién es, se conoce a si mismo; de esta manera cuando recibe un papel no lo juzga y no busca cuántas diferencias tiene con él, sino cuántas similitudes tienen actor y personaje. Te pongo un ejemplo sencillo, si a ti como actor te corresponde interpretar a un villano en la historia en lugar de juzgar al personaje y ponerte a pensar cuán diferente es a ti, conocerte te ayuda a encontrar todas aquellas similitudes que al momento de actuar te harán recurrir a experiencias personales y comportamientos del cuerpo necesarios en la interpretación.
Lo bueno y lo malo en una obra depende del juicio del director, de la obra en si y del público. Tu aceptas participar en un proyecto porque estás convencido de que lo que se dice es bueno, ya en el montaje tu trabajo consiste en darle seguimiento a las decisiones y actos del personaje sin juzgar si su proceder es moralmente bueno o malo.
Todos nos comportamos de forma diferente en cada lugar en donde estamos y con cada persona con la que interactuamos. Antes de interpretar al personaje vístete como el personaje, descubre cómo se comporta con unos y otros personajes, dale a tu personaje una IDENTIDAD.
Los niños y jóvenes pueden explorar materiales e instrumentos musicales, utilizar el propio cuerpo como medio de representación y comunicación musical, expresarse creativamente a través de diversos instrumentos musicales reciclados y dar a conocer y valorar la importancia del reciclaje.
La construcción de instrumentos musicales es en si un procedimiento complejo que implica poner en juego variadas capacidades, tales como manuales, motrices e intelectuales.
Podrás construir desde instrumentos de percusión hasta instrumentos de aire, utilizando todo tipo de material reciclable.
Construcción de Instrumentos con Material Reciclado
El poder crear sus propios instrumentos, proporciona una gran estimulación musical para grandes y pequeños, se divierten, aprenden y adquieren diferentes habilidades a partir de la música, crear sus propios instrumentos les abrirá la puerta a un nuevo mundo de sensaciones sonoras.
Podrás construir desde instrumentos de percusión hasta instrumentos de aire, utilizando todo tipo de material reciclable.
Crear un fabuloso instrumento musical utilizando como materiales lata de conserva y globo.
¿Cómo hacer unas maracas de reciclados?
Materiales: 2 botellas pequeñas de plástico, pegamento, 2 banditas de goma, 2 globos de agua pequeños, arroz, elementos decorativos: (cuentas o pegatinas)
Representante de la Pintura Arequipeña Jorge Vinatea Reinoso (1900-1931)
Pintor peruano nacido, en Arequipa el 13 de Abril de 1900 y fallecido en el distrito de Cayma, también en Arequipa, el 15 de Julio de 1931. Estudió en la Escuela de Bellas Artes con el maestro Daniel Hernández de 1919 a 1924, pasando a la plana docente de ese centro de estudios en 1923; como profesor de dibujo y pintura. Ya a los 18 años, destacaba en el género de caricaturas no solo por la originalidad de sus trabajos, sino por la variedad que manifestaba dentro de su técnica.
En 1917 exhibió en su tierra natal un salón de caricaturas de los mas notables personajes arequipeños, que luego exhibió en Lima con halagadores comentarios de la critica especializada. En 1919 presenta una muestra con otros jóvenes artistas en los salones de la casa “Brandes”. Comentando el pintor y crítico de arte Teófilo Castillo, que mereció justiciera mención, junto con Bernardo Rivero y Solari. Colaboró con sus dibujos y caricaturas con las revistas de la época, formando por varios años, parte del personal de las exclusivas revistas “Mundial” y “Variedades”. Diez años mas tarde, Vinatea Reynoso destacaba por sus acertadas composiciones a la acuarela y al óleo. De aquella década son las mas conocidas obras del artista:”Orillas de Titicaca”, “Chacareros Arequipeños”, “Feria de Pucará”, “Sachaca” y “La balsa que vuelve”. De 1928 q 1929, viaja a la sierra, sur de Perú, visitando Cuzco y Puno en una febril actividad pictórica, como presintiendo sus últimos momentos. Ya conocia que una enfermedad crónica, la temible tuberculosis, estaba terminando con su precaria salud.
No obstante, su corta existencia –fallecía a los 31 años, en la plenitud de su vida artística– Vinatea Reynoso ha dejado una importante obra que es admirada unánimemente por los entendidos y tiene un especial importancia para el conocimiento del desarrollo de la pintura en el Perú. “Es que la pintura de Vinatea Reynoso – dice Juan Villacorta Paredes – es bella por el valor de su contenido nacionalista y humano, de hondo significado y mensaje para la posteridad, es su pintura un himno de amor y melodías cromáticas al hechizo encantador de nuestro suelo”.
Vinatea fue conocido por plasmar en el lienzo las expectativas culturales de su época, representaciones de un indio más real y fuerte, y un artista intelectual.
Francisco Fierro 1807?-1879
Pintor autodidacta. Mulato liberto, nació y falleció en Lima, conocido como Pancho Fierro. Reconocido como un célebre acuarelista, hijo de Don Nicolás Mariano Rodríguez de Fierro y Robilla y de Carmen Palas.
Su pintura, costumbrista por excelencia, denota notable capacidad de observación y soltura en sus trazos. Su personalidad tiene singular relieve en el proceso artístico e histórico peruano.
Pancho Fierro, ha sido siempre considerado como el ilustrador de costumbres y tipos de la Lima colonial y republicana. Gracias a sus estampas, se conservan costumbres de la Lima antigua, con sus bailes, pregones, toros, tapadas, frailes, monjas y un sin fin de personajes de época.
Al ser iletrado, las leyendas o títulos de las obras fueron escritos por Agustín de la Rosa Toro y Ricardo Palma, quien ejecutó la anotación de la serie, fechada en 1840, titulada: En Amancaes: zamacueca; zamacueca decente; zamacueca más borrascosa; especie de minué mezclado con música de los criollos negros peruanos.
El nombre inicialmente era zamba clueca, baile actualmente conocido como Marinera peruana; el cambio de nombre se produjo después de la Guerra del Pacífico (1879-1883). Chile, mutiló el nombre de Zamacueca y lo llamaron solamente Cueca, baile más ligero.
Al término de la Guerra del Pacífico, el escritor, compositor y político peruano Abelardo Manuel Gamarra Rondó, "El Tunante" (1852-1924), la bautizó como Marinera, en honor a la Marina de Guerra del Perú y a Miguel Grau. Música y baile tradicional en Lima, fue plasmado por algunos artistas viajeros, destaca el trabajo de A. A. Bonnaffé, (1820-1870). Una acuarela suya sobre La Zamacueca, se publicó en "Recuerdos de Lima: Album: Tipos, trajes y costumbres" en dos volúmenes 1856 y 1857.
Pancho Fierro nos dejó un extraordinario legado artístico y de importancia histórica. Sus obras se encuentran en diversas colecciones privadas y públicas.
La acuarela en el Perú y sus artistas más representativos
La pintura arequipeña tiene un espacio privilegiado en las artes que se han cultivado tradicionalmente en Arequipa; artistas plásticos como Carlos Baca Flor, Jorge Vinatea Reynoso, Teodoro y Alejandro Núñez Ureta, son bandera universal de la plástica arequipeña.
La magia del agua y el color, antigua como las primeras manifestaciones pictóricas del hombre, tiene en Arequipa, un espacio geográfico y cultural sumamente favorable, lo que ha permitido configurar con el esfuerzo de varias generaciones de acuarelistas, lo que hoy se conoce como la ACUARELA AREQUIPEÑA, denominación que contiene en sí, no la tipificación de una corriente pictórica, tampoco representa a un conjunto de características formales y técnicas que une a un numeroso grupo de acuarelistas, más bien; LA ACUARELA AREQUIPEÑA, denota nominalmente la proyección sostenida que esta técnica pictórica tiene desde Arequipa, afirmada en el medio nacional, ya conocida en el contexto Americano y en pleno esfuerzo para lograr un espacio preferencial en el contexto de la plástica mundial,
Los artistas viajeros, venidos de Europa, antes y después de la Independencia del Perú, fueron quienes afirmaron el uso de la acuarela en nuestro medio, resalta entre todos ellos, el alemán Johann Moritz Rugendas (1802 – 1858) quien describió mediante dibujos y magistrales acuarelas, la imagen de Lima y el Sur del Perú entre 1842 y 1845. Sin embargo, es justo reconocer e Pancho Fierro (1809 – 1879), al primer acuarelista del Perú Republicano, por el valor documental de sus testimonios plásticos sobre la confrontación, convivencia e integración de las diversas clases sociales de Lima desde las primeras décadas de la República hasta antes de la guerra con Chile…
La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.
La Acuarela, es un medio muy flexible, y, como puede observar con estos ejemplos, obras de grandes artistas, los resultados obtenidos con la acuarela pueden variar enormemente.
La primera obra es la famosa "Liebre" de Durero, y es una muestra del uso más tradicional de esta técnica. La aplicación del color se ha efectuado en forma de pequeñas pinceladas que imitan el pelaje del animal, superponiendo capas y capas de paciente trabajo.
PINTURA USO DEL PINCEL EL USO DEL PINCEL CHATO: PINCELADA DE COMA
El pincel chato es un pincel típico, lo que varia es que puedes encontrar con cerdas de pelo o sintético, las de cerdas de pelo son mucho mejores que las sintéticas Materiales: Pincel chato, Pintura acrílica
Para pintar hojas simples y pétalos de flores se utiliza el pincel chato y la pincelada se puede realizar de derecha a izquierda y viceversa. Procedimiento
Apoyar el pincel sobre la superficie y deslizarlo, presionando con suavidad.
Levantar el pincel en forma gradual, girándolo levemente.
Seguir girando el pincel hasta terminar con el borde plano.
EL USO DEL PINCEL CHATO: PINCELADA DE S
Resulta útil para hacer guardas decorativas y hojas simples.
Materiales: Pincel chato, Pintura acrílica. Procedimiento
Apoyar el filo del pincel, presionar y deslizar con suavidad hacia un costado.
Deslizar levemente la pincelada hacia el lado opuesto.
Levantar el trazo, terminándolo con el filo del pincel.
EL USO DEL PINCEL CHATO: PINCELADA DE U
Es la pincelada básica para pintar rosas y se realiza también con pincel chato. Materiales: Pincel chato, Pintura acrílica. Procedimiento
Paso
Apoyar el filo del pincel e ir presionando a medida que se desliza hacia abajo.
Comenzar a marcar la curva, presionando las cerdas para ensanchar el trazo.
Levantar la presión en el trazo a medida que se asciende, hasta terminar nuevamente con el borde plano.
EL USO DEL PINCEL REDONDO: PINCELADA DE “S” Materiales: Pincel redondo, Pintura acrílica Procedimiento:
Cargar el pincel con pintura y apoyar la punta sobre la superficie.
Ir deslizando el pincel hacia la izquierda ejerciendo gradualmente una leve presión para engrosar el trazo.
Hacia la mitad de la pincelada comenzar a dirigir el trazo hacia la derecha, disminuyendo l apresión, hasta terminar nuevamente con la punta del pincel.
EL USO DEL PINCEL REDONDO: PINCELADA REDONDA
Con estas pinceladas, se puede lograr una gran variedad de modelos de flores. También con pinceladas de coma redonda se pueden simular hojas y complementarlas con otras más alargadas realizadas con pinceladas de S. Materiales: Pincel redondo, Pintura acrílica
Procedimiento:
Apoyar el pincel redondo de forma perpendicular a la superficie. Presionar suavemente, dejando que las cerdas del pincel se abran.
Ir levantando el pincel paulatinamente a medida que se avanza en el trazo, de modo que las cerdas vayan tomando su forma original, al mismo tiempo que se hace un leve movimiento curvo.
Reciclar papel es una de las maneras más asequibles de cuidar el medio ambiente, evitando tirar a la basura los kilos de papel que ya hemos utilizado. El proceso de elaboración del papel reciclado es muy sencillo, y da como resultado un material vistoso, de aspecto muy artesanal y aplicable en muy diversas manualidades.
¿Cómo hacer papel reciclado? Materiales
Pulpa de papel de color a elección.
Batea o recipiente profundo.
Agua
Bastidor de madera
Tela
Prensa Nota
Mientras las hojas estén todavía húmedas, prensarlas todas juntas hasta su secado final. Se puede reemplazar la prensa por una madera con peso suficiente encima, para que las hojas se mantengan planchadas. Cuando la hoja esté seca, se desprenderá de la tela con suma facilidad.
Una de las principales singularidades del fin del siglo XIX, el rechazo a la vida cotidiana y a la realidad burguesa, se resuelve por una doble vía: la torre de marfil, en la que se recluye el artista o la huida hacia lo primitivo, hacia lo salvaje. Unicamente fuera de la caduca y limitada sociedad occidental podía el hombre encontrar su liberación. El exotismo puede ser sólo un artificioso refugio de esteticistas y decadentes, pero para Gauguin era la única solución para sobrevivir.
Nació en parís, a los tres años sus padres emigran a Perú y durante el viaje muere su padre. Allí vivió junto a su madre cuatro años hasta que deciden regresar a Francia.
Cuando murió su madre en 1868, Gustave Arosa, un rico banquero, se convirtió en su protector legal. Gracias a él, Gauguin fue un agente de bolsa de éxito. Se casó con Mette Sophie, una joven danesa de familia acomodada, tuvieron cinco hijos y llevaron una confortable vida burguesa.
Hacía poco que se había casado cuando se convirtió en pintor aficionado. Conoció a Pisarro y en 1879 expuso con los impresionistas, participando después en las cuatro últimas exposiciones del grupo. Coleccionó cuadros de Manet, Monet, Renoir y Degas, sus pintores favoritos eran Cézanne y Pisarro, de quienes sus primeras obras presentan claras influencias.
Su carrera financiera quedó interrumpida en 1882 por la crisis bursátil y decide entregarse por completo a la pintura. Viéndose obligado a llevar una vida más modesta, se mudan a Copenhague, donde su esposa cuenta con el apoyo de su familia. Pero el fracaso es absoluto, ya que no encuentra clientes para sus cuadros. Al cabo de unos pocos meses, decide regresar a Francia en compañía de su hijo Clovis, mientras que su mujer se queda en Copenhague con los demás hijos. Este es el comienzo de una época llena de miserias y deudas. La penuria económica le hace abandonar París en 1886, refugiándose en Pont-Aven, un pueblecito de Bretaña, donde conoce al pintor Charles Laval.
Deseoso de romper con todas sus fatalidades, Gauguin envía a su hijo a Dinamarca y emprende viaje a Panamá junto con su amigo. Esta es su primera incursión en el exotismo, pero una enfermedad le obliga a volver a París en 1887, donde conoce a Van Gogh.
Juntos pasarán un tiempo en Arles, pero al no haber entendimiento entre ambos, Gauguin regresa a Bretaña.
Contacta con Emile Bernard, quien le adentra en el Sintetismo, que supone un cambio radical con respecto al impresionismo.
Le hace partícipe en el uso del color, apostando por las áreas planas sin matizar y remarcando los contornos. Lo que hay que pintar es la idea que elabora el pintor después de su experiencia, quitando lo superfluo y reteniendo la esencia. Así se consigue la síntesis de forma y color.
El Cristo amarillo, de Gauguin
Autor:Paul Gauguin
Fecha: 1889
Museo: Museo Albright-Knox de Buffalo (Nueva York).
Características: 92,1 x 73,4 cm
Material:Oleo sobre lienzo
Gauguin llama su estilo como sintetismo ya que sintetiza la observación del sujeto con los sentimientos que provoca el artista.
La coloración es típica del otoño bretona. En paralelo con el amarillo de Cristo, se combinan amarillos, naranjas y verdes. La tradición bretona da un significado espiritual en otoño considerándola como una «crucifixión» de los cultivos que resucitan en primavera.
Los hortelanos de Vaugirard, de Gauguin
Autor:Paul Gauguin
Fecha:1879
Museo:Smith College Museum
Características:65 x 100 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estamos ante una de las primeras obras de Gauguin, La composición está organizada en bandas horizontales de color. El efecto conseguido recuerda, en el ánimo del pintor, la impresión de un paisaje al atardecer.
Biografía Nombre: Miguel Ángel Buonarroti Nacionalidad: Italia
Caprece (1475) - Roma (1564)
Estilo: Renacimiento Italiano - Cinquecento
Miguel Ángel fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, de esencia florentino mantuvo sus lazos con Florencia su arte y su cultura. La mayor parte de su madurez la pasó en Roma, trabajando en los encargos de los continuados papas. Su deseo fue ser enterrado en Florencia en la iglesia de Santa Crose y así fue después de su fallecimiento el 18 de febrero de 1564.
Se formó con los maestros Ghirlandaio y Bertoldo di Giovanni. Llevó a cabo su quehacer artístico en Roma y Florencia, durante más de siete décadas. Fue apoyado por los Mecenas, los Médicis de Florencia y los Papas de Roma, aunque también trabajó en Venecia y Bolonia.
Sólo contaba con veintitrés años cuando esculpió La Piedad del Vaticano, lo que señala que era un verdadero genio artístico.
Obras:
La Piedad (1499)
Baco 1496-1497.
David (1504)
Moisés (1513)
El Profeta Zacarías (1508-1512)
La Creación del Sol y la Luna (1508-1512)
La Sibila de Libia (1508-1512)
La Creación del Hombre (1508-1512)
La Sagrada Familia con el niño y San Juan el Bautista (1503-1505)
El Juicio Fina
La Bóveda de la Capilla Sixtina
Crucifijo del Santo Spirito (1494)
Batalla de Centauros y Lapitas (1492)
Técnica: Aerografía Nombre de la Actividad:PAISAJISMO Nivel de aplicación: Secundaria, Superior Material: Cuero ecológico blanco, Aerógrafo, Pinturas acrílicas amarilla, naranja, verde y marrón.
Logros: El estudiante desarrolla su sensibilidad creadora y valoración de las artes plásticas.
Capacidades a desarrollar: Capacidad psicomotricidad fina y capacidad de observación. PROCEDIMIENTO
El aerógrafo se adquiere en tiendas especializadas en artículos de arte.
En el aerógrafo de doble acción se pueden colocar depósitos de distintos tamaños, dependiendo de la cantidad de tinta que se vaya a utilizar. Si el aerografista es zurdo, se cambia el tapón de lugar y se puede colocar el depósito del lado opuesto.
Con el aerógrafo se pueden lograr muchos efectos. Existen aerógrafos en los que se puede agregar una copa integrada de gravedad en la parte superior. El modelo debe elegirse en base al tipo de trabajo que se desea realizar.
El aerógrafo de doble acción va conectado a una manguera que va al compresor. Con la presión del mismo aire, la tinta se va a pulverizar, dependiendo de la presión que se ejerza en el gatillo y empujándolo hacia atrás. Presionar el gatillo sin jalarlo, permite que el diseño pintado se vaya secando.
Para esta técnica se pueden utilizar plantillas o esténciles que ayudan a que nuestro diseño se vea moderno. En este caso se debe lograr que la pintura pulverice más ágilmente y utilizar la doble acción para secarla.
El aerógrafo permite también hacer degradados y esfumados direccionales.
La marinera es un baile de pareja suelto, el más conocido de la costa del Perú. Se caracteriza por el uso de pañuelos. Es un baile muestra del mestizaje hispano-amerindio-africano, entre otros.
Según los cultores de esta expresión folklórica, la Marinera es símbolo de peruanidad.El historiador peruano Rómulo Cúneo Vidal indica que la zamacueca era una danza de descanso, cuyo nombre proviene del quechua zawani, que significa baile del día de descanso y que zamiquiqui era el descanso campesino luego de una semana de trabajo durante el Virreinato del Perú. Sus afirmaciones se respaldan en huacos de la Cultura mochica e Inca donde el hombre tiene la mano en la cintura y la mujer la mano en la espalda y ambos sostiene un bolso o pañuelo. La elegancia del pie femenino, los suaves movimientos del pañuelo en la mano, el repiqueteo de las palmas, la arrogancia de gesto y figura y del personaje conquistador y enamorado.
Fue bautizada así en homenaje a la gloria de Grau, cuando sus increíbles hazañas en el monitor Huáscar electrizaban al mundo durante la Guerra con Chile. Fue Abelardo Gamarra "El Tunante" quien bautizó a nuestro baile costeño con el nombre de MARINERA....¡Por el Huáscar...Por ti Marinera Peruana!, acabando así con las denominaciones de "zamacueca", "mozamala", entre otras. En su afán de preservar la marinera, "El Tunante" decidió inmortalizarla en el pentagrama. Para ello escogió una pieza de marinera especialmente compuesta por él y por don José Alvarado, uno de los más populares compositores criollos. Pero no fue nada fácil llevar la marinera al papel; no había quien se dignara a hacerlo y los artistas capaces de realizar tan difícil trabajo estaban dedicados a la música clásica y miraban por encima del hombro a la música popular.
En 1893, "El Tunante" asistió a un concierto de piano ofrecido por una niña limeña, considerada todo un prodigio de la música. Continuando su proyecto de eternizar la marinera, entusiasmado habló con esta talentosa niña y con sus padres para que fuera ella la encargada de continuar ese trabajo musical.
"El Tunante" canturreaba y la pequeña escribía las notas. Así nació "La Decana", nombre de una marinera que, luego, el pueblo denominaría "La Concheperla".
Extracto del filme documental de Ricardo Arroyo (82 min.) que habla de la Zamacueca, el baile nacional peruano.
